当这些具有东方色彩的浅显易懂毫不陌生的哲句在这部卡通电影中出现时，我有“如沐春风”之感，这样的构思其实是在好莱坞电影中很常见的，尽管好莱坞被称作为商业电影的生产基地，但是几乎在每一部电影中，他们都不忘记传达好的和正面的信息，这也是电影之梦的真谛，和人类分享追寻真理的过程。导演斯庇尔伯格的梦工场制作出品的电影常常都传达出寓意深远的信息，几年前的一部电影《A.I 》（中文翻译《人工智能》）影片里的一句台词；“去纽约，那个狮子淌泪的地方寻找答案……这个城市的一半已经浸泡在海水之中”。梦工场的这两个作品所道出的哲理和暗示都是有迹可寻，《功夫熊猫》研读和抓住了东方文化的特性，《A.I》则探讨了未来，在梦与现实之间搭构与观众的互动和感应。

    影片中还有很多细节比如，熊猫大宝的爸爸鸭子的头饰是一个面条拧成的发髻，场景里出现的树木山峦和房屋，以及小到面条馆里墙壁上的大蒜等等细节都体现了中国文化和民俗之美，很多画面都像是从国画中吸收了养分，充满了美感。

    总之，这部由西方人来拍摄的《功夫熊猫》相信会得到大部分中国观众的认同，因为它不但带来了娱乐，还有它从根本上谦虚地学习和尊重了中国文化的精髓，同时运用了好莱坞的制作能力和梦幻语言，如果西方以这种姿态拍摄我们东方的影视文化，那么我很期待好莱坞来拍摄我们的其他古典名著，我们要用客观的眼光去看待任何一部国内外的影视作品，因为批评很容易，做事情的人们是要付出很多的时间和努力。

                                                    艾敬于北京      2008-7-22

                                                                       I LOVE PANDA

    在2000年——2001年期间，我投资拍摄了一个短片，地点在纽约的时代广场，日本的涩谷，香港的天星码头，北京的长城四个国际大都市里的地标地分别拍摄了一组VIDEO资料，主题是：I LOVE PANDA,内容是在这四个不同国家或地区的人们面对镜头说同一个语言同一话:ILOVE PANDA !

    我本人参与了这次拍摄，在这不同的四个城市，我请到当地的导演和摄影，他们给予我的这个拍摄想法很大的支持。最后一站的拍摄是在北京的长城，之后把整个拍摄素材剪辑成一个27秒的公益广告，我当时的想法是为了一个呼吁保护地球生态环境的理念，为此我撰写了一个关于保护熊猫的故事，而这个短片的拍摄是为了配合这个故事的宣传，现在看来这个短片的素材更像是VIDEO ART,回想起当年的勇气和信心，为了一个概念跨越几个不同的国家，不同的城市和地区去拍摄，这个宝贵的经历以后很难再去实现。今天拿出来跟大家分享，因为看到《功夫熊猫》的全球上映，想到7年前我拍摄这个短片的时候也曾经想要拍摄一个“天使熊猫”为了找寻一个美丽家园的动画电影，可惜，我当时没有那么大的能量，即便在今天我也还没有这个能量去完成这个使命，好莱坞做到了，我很欣慰，熊猫不但是中国的，也是全世界的，我们通过关心熊猫的生存，透过它们去关注自然生态的转变会给我们带来很多的启示，无论是什么国家的人来关注，通过不同的角度和艺术表现手法都是一件好事情。

    说回我当年为了这个环保的理念在我的音乐专辑《是不是梦》里实现已经感觉到，用音乐的表达方式有所局限，我当时也曾渴望得到国内其他人的支持，事实上当时我感受到都市人的冷漠和无知……后来我把这份“爱”的能量转换到其他的艺术表现方式，比如绘画等其他方面，我又得到了一个空间，我不再渴求认同和支持，我从自己做起，一点一滴。我很高兴，现在整个社会有所改变，环保和慈善已经有很多人在真正去做。我相信，如果我们都从自己出发，带着美好的信念，用自己的小能量去改变大世界。那么，十几亿的人口足以改变全世界。

                                                         艾敬2008年7月11日

                                                         出版于《北青周刊》2008年6月26日第26期封面

                                                         出版于《北青周刊》2008年6月26日第26期内文

                                                        出版于《北青周刊》2008年6月26日第26期内文

                                                          出版于《北青周刊》2008年6月26日第26期封面

                                                                2008年6月艾敬为《北青周刊》拍摄图片

 《北青周刊》2007年7月特刊——艾敬 我的1997和2007

 http://bjqn.ynet.com/view.jsp?oid=21884131&pageno=1

    在北京，旧时的朋友逐渐在远离，大概他们都以为我在路上，我也就甘心做一个过客。在北京的日子，身边没有像以前那般的热闹，倒也更加真实平静。如今剩下的大都是可以一起合作的朋友，我不禁感叹，这种在合作中建立的朋友关系更加可靠，因为我们彼此信任和需要。

    慧和纳纳是北青周刊两位资深主编和名记，我的MSN上面有慧的链接，记得在纽约我在画室里很疲惫的时候，看到在北京的慧大概还在报社为出版前的编审冲刺，感觉到很亲切，但是我们从来不在网上闲谈。07年我应香港旅游发展局邀请为香港回归祖国十周年回到北京，慧在网络上看到我回来了，我告诉她自己将去香港为《我的1997和2007》录音和拍摄音乐录影带，她马上做出反应，与我相约在香港拍摄《北青周刊》07年7月特刊封面。我欣然答应。慧和纳纳还有摄影师闻晓阳以及他的两位助手，另外一名化妆师，再加上我的两位助手。我们在香港的兰桂坊，当初我拍摄《我的1997》封面的地方，我们一行人浩浩荡荡开始与紧张快速的香港节奏赛跑。慧和纳纳，两位具有令人羡慕的CHANEL GIRL 的身材，确是一副“劳碌命”。两位弱女子在香港繁华的大街上手里拎着各种名牌时装大袋子引来香港人的艳羡侧目，还以为他们是内地来的“大款”呢，其实她们是为我们的封面拍摄借衣服和鞋子以及一些首饰，之后她们再大包小包地完璧归赵。看着她们嬉笑着说起这段经历，笑作一团，没有丝毫的埋怨，我不禁感动于她们的敬业和她们个性中可爱和本真。拍摄完成后，慧问我当年拍摄《我的1997》的经历和感受，我告诉她，除了感觉到兰桂坊比以前更多人潮，让我惊讶的是，像我们这样一个拍摄计划是需要更多的人手才能完成。我当时颇有感触，这十年内地可以发展得这么快，速度绝对不输给香港，看到慧和纳纳这样勤劳和拼抢，无所畏惧地投入工作劲头，我想，是因为内地有更多勤劳乐观的人们在努力的工作，拉动了经济的脉搏，这是我那次在香港为《北青周刊》拍摄封面的感受。

    今年回来北京，带回了新歌《我的2008》以及我正在创作中的一些绘画作品，已经近一年没有见面的慧以商量的口吻问我是否愿意再次为北青周刊拍摄封面，而且又在今年的7月前后登出，我感到很惊喜，我说我当然愿意，不过我可不是什么当红明星，你们为什么找我做封面？！慧说，你就是我们杂志喜欢的那种典型的“文艺女青年”，听起来有些“老土”的称谓，然而我很喜欢很受用。同时也证明她们一直在关心和关注着我，我倍感鼓励，拍摄前几天进行紧张的节食，在工作室和健身房以及美容院奔波，忙的不亦乐乎。

    这次我和《北青周刊》的美丽约会，地点定于北京今日美术馆，把我的画作《LOVE.1号》和华丽的礼服在美术馆宽敞的空间里展示，我庆幸，拍摄前几天的节食很值得，至少那些给模特穿的礼服都能穿进去。我对慧说，如果我们每年都有这样拍摄的约定，我还会继续“美丽”。

                                                                    艾敬2008年6月30日于北京

《北青周刊》与艾敬问答：

开始画画了

“我认为艺术应该服务于大众，没有神话”

是什么样的契机让你拿起笔来开始画画？

1999年朋友看到我家中一个唱片封面的设计草图是我自己勾画，他鼓励我画画。

你在什么时候开始关注艺术？你有没有想过自己真的有一天拿起画笔画画？现在你真正开始画画了，心里面怎样想画画这件事？

我在1995年就游览了罗浮宫里的艺术品以及巴黎当代美术馆-蓬比杜中心,有机会站在巴黎的罗浮宫，看到达芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》，也欣赏了雕塑艺术品，包括《维纳斯》。那时候我相信中国许多当代艺术家和学术界人士大部分还没有机会亲眼目睹这些艺术品。我也到英国参观伦敦的一些美术馆和画廊，那时我才知道有销售经营艺术品的画廊，直到1998年我在纽约看到了keith haring 和 安迪.沃霍的作品，使我感觉到当代艺术传递的那种亲近和容易解读的符号，也是我从古典到当代的一个认识过程。我当初看这些艺术品时候，怀着崇敬的心情，看那些人物和笔触，猜想画中的人物和环境，当时不敢想自己有一天会拿起画笔。我从小就喜欢画画，都是画些花鸟鱼虫和空中飞翔的神话人物。我真正拿起画笔大胆地在画布上涂抹油画颜料是1999年开始。

“love”系列的爱为什么是反着的呢？你想通过他们传递什么样的信息？

LOVE应该是我一直以来的创作主题，以前我用音乐表达LOVE,99年我的画面也经常是手写的LOVE字体，现在我用很设计感的字体，把LOVE工业感和商业感强调出来那份陌生和冷漠。而反过来写LOVE，也是想要表达LOVE的多面性，或者说LOVE本身所存在的表情符号。

你的新作品是什么样的，对于新作你有哪些计划？

我正在创作100幅字体符号抽象作品，它们的灵感是来自2008年8月8日，我从倒计时100天4月30日开始，每天创作一个日期牌，它们的主要色彩是红色。也有一些意外的收获，因为汶川地震而带来的伤悲和沉痛等事件直接改变了我的这个创作系列的色彩和形态，是四川人们的灾难拯救了我的艺术创作，避免了单一性。

你画过很美丽的小猪，也在纸上写字，有哪些东西会成为你创作的灵感？

猪也是爱的符号，我暂时不画猪，因为怕别人说猪年画猪，但是这个符号会一直延续，将来再把猪发扬光大。

需要具备哪些素质才会成为一个艺术家？

艺术家如，陈丹青，吴冠中，蔡国强，徐冰等等屈指可数。他们需要才情兼备，或引领潮流，或坚韧，或才思敏捷，他们为社会和教育事业奉献。同时他们的艺术作品有不可替代的学术价值和划时代意义。比如，吴冠中老先生，用近一生的时间追求美学的真谛，从巴黎到中国大地山川，他的人生仿佛是一个行为艺术的大作品。再说陈丹青，这位在纽约大都会找到艺术临摹范本的艺术家，是美术界公认的画工了得的画家，他可能画工也许不如罗中立，更不及达芬奇，但是他奔放自由和独立特行的思维带动和影响着中国年轻人，他的艺术魅力延伸在画面之外。蔡国强的作品多样活跃，渗透着古今中国文化，同时他吸取的日本和西方的艺术观点，使得他的作品呈现出让大众可以参与进来的品味，有深入潜出的大智慧。他的艺术作品“带你玩儿”，但是背后缜密的思维和严谨的制作，在闹哄哄的游戏背后，他抛出的是一幅幅壮观的爆炸艺术作品。徐冰在完成了天书和地书大作之后，其他艺术的事情就让“地球人”去忙和吧！现在他唯一做着的“人间”的事情是回到祖国为下一代美术教育在进一份力量，也许这会是他的另一个作品。

你的经历会给你的艺术创作有哪些帮助？

我的经历直接影响我的作品，因为在九十年代初我已经走出国门，游历和见识了很多好的文化，我看过所有自己喜欢的流行音乐家的演唱会，和著名的音乐剧，之后开始游览法国和英国以及纽约的各大美术馆，我是纽约拍春秋两季拍卖行预展的常客，我亲眼看到那些著名的艺术作品，与国内学院里在画册和老师那里吸取的养分相比，我的艺术修养是来自与世界艺术作品的零距离接触，另外，我曾经经历了名和利的洗礼，我对艺术真谛的追求已经超越了对虚荣的需求。我的作品除了在意自身的快乐，也在意对社会价值的意义。我认为艺术家要对人类文明和进步以及创造力的启发有所贡献，我希望自己有一天可以做到。

你是凭借直觉在做事情么？理性和感性在你的创作中所占的比例是怎样的？

我的确凭直觉在选择自己的道路，并非从现实出发。99年我开始画画时候，没有人理解我，我的父母也不理解我，当时我并没有想要成为画家或者艺术家，又或者我去美术馆欣赏那些艺术作品的时候，并不知道今天艺术市场会火爆，否则我就可以去当“算命先生”了。

创作中感性和理性各自一半，先想自己的喜好，之后才考虑作品是否具有社会意义和共性。

你欣赏哪些艺术家，为什么？你现在都在关注哪些人和事情？为什么？

我欣赏那些艺术家是能够从他们的作品中能感受到他的生活，他的哲学。早些年我喜欢卢西安·弗洛伊德（Lucian Freud）,在2002年的伦敦，我有幸看到他的个人回顾展，当时我在伦敦录制我的第五张个人专辑《是不是梦》。当然我也喜欢 格哈德·里西特，可是影响我最多的是我并不喜欢的安迪.沃霍。

画画的时候你所遇到的困难有哪些，你是怎样克服的？画画是一件艰难的事情么？比较起来做音乐更容易一些还是画画？

画画最难的是找到你自己的语言，在去世界那么多优秀的画家和艺术家里发出你自己的语言。如果你找到了，你就是一个有用的人，否则你也只是一个“行尸走肉”。当然这个过程是痛苦的，因为在你面前有无数优秀的名字，他们有些人即便不在人世了，他们的艺术作品还在说话。

画家艾敬和歌手艾敬有何不同？

我认为艺术家和画家和画匠是有区别的，我不是画家，也还没有成为艺术家，更不会成为画匠，我只是一直在过着“艺术家的生活”，我渴望成为艺术家，用我的作品和其他的方面去奉献给社会一些好的和正面的东西，我的知识和艺术修养还不够，我还在努力。

画画能够给你带来哪些之前没有的乐趣?

画画的确辛苦而快乐，像一个干体力活的，有时候我想这是命运给我的礼物和惩罚，让我耕耘自己的画布，体会劳动之美。

你怎样看现在蓬勃发展的艺术市场？

国内的艺术市场一定还会好，但是非常危险的是，如果从事这个行业的人士没有把好关，把那些大量被泛滥生产的，没有价值的艺术品推销给买家，那么就会损害这个市场，这个蓬勃的行业也就会垮掉。

除了画画和唱歌你还有哪些爱好？

我喜欢写字，如果可以我想成为作家，那是一种令人尊敬的职业。应该说，每一个行业你带着崇敬之心去做，都会赢得尊重。

时尚和艺术

“我已经从时尚的外表追求到内在的一个过程”

你觉得艺术是一件时髦的事情么？时间在里面起了什么样的作用，什么样的艺术品才能永恒？

艺术不是一件时髦的事情，那是不从事这个行业的人员的看法，就像雾里看花。蜂拥而至的人可能是因为被艺术市场价值的吸引。

艺术作品会因为时间的考验而赢得它应有的价值，它的独特性加上艺术家一生的行为而形成一个价值点。

艺术高于时尚和时髦，它应该具有影响流行趋势，改变人们的视觉角度和正常思维的能力。艺术的创造力来决定它是否能永久，

你对当前的时尚和设计有哪些看法？

好的设计师本身就应该是一位艺术家，他们应该具有开启人们对美的想象力的能力。

这么多年你对时尚的看法有哪些改变？

我已经从时尚的外表追求到内在的一个过程，年轻的时候也喜欢买名牌，但是我从来都选择适合自己的，现在我喜欢的品牌只有不超过五个。

你最欣赏的时装设计师是谁？

COCO 香奈儿，她创造了一个时尚王国，她是一个时尚艺术大师，即便她已经不在人世，她的作品仍然被追随。

你会相信身边人给你的时尚意见么？你身边有哪些时尚的人？

我会听那些比较会打扮的人士的意见，我很愿意付钱给他们帮我买回来。

艺术圈是一个时尚圈么？为什么？

所有带来金钱和利益的圈子都会吸引那些打扮入时和有品位的时尚人士，那要看这些人士希望从艺术家那里得到什么灵感。或者艺术家也需要朋友和美丽的簇拥？！我想艺术家都明白创作是孤独的。

人生多有趣

“曾经因为音乐做的还可以，使我先富裕起来，然后我用金钱去追求精神生活，我才有了后来放逐自己的生活方式。”

游历是你人生中的重要组成么？我觉得你身上流浪歌手的浪漫情怀给你带来什么？

应该说我甘心漂泊，我喜欢远离自己所熟悉的事物以及我的亲人，去寻找新的发现。新的环境里新鲜的事物使我有很多欲望去了解。

我曾经熟悉的事物和情感会被放大，这里面还有很多的孤独，距离是我喜欢的词句，为此我付出代价。我一直在寻找答案，却发现答案就在身边，等我转身，一切已经不同。而这些复杂的感受是我的创作源泉，这一切并非刻意而为，而是我渴望流浪的心境。

每个人身上都有一些特质得以区别于他人，我觉得你身上的那些特质更明显，你觉得自己身上的隐形的那张名片是什么？

曾经有人批评我好似“不食人间烟火”，我想过去近二十年里我生活在现实和理想之间。曾经因为音乐做的还可以，使我先富裕起来，然后我用金钱去追求精神生活，我才有了后来放逐自己的生活方式。

你现在生活是什么样的？能谈谈你眼里的纽约和北京么？他们有哪些不同，哪个城市更吸引你？

我喜欢北京和纽约，这两个城市给我很多灵感，我客居在这两个城市，没有家的感觉却很快乐。纽约是我生活最真实的地方，在那里我写过很多歌，学会煮饭，也建立起做艺术家的信心。这一点很不容易，因为那里的大都会博物馆和当代美术馆以及拍卖行展出最有名的艺术作品，画廊也是最前卫的，招揽来自全世界优秀的艺术家和作品，我能够有信心想要做其中一员，经历了很多的学习和挣扎，纽约有它的包容性和提供了一个学习平台。

你梦想生活在哪个城市？为什么？

能够在北京吃涮羊肉，吃水蜜桃，有长城和故宫为伴，在曼哈顿吃早餐，和他去看美术馆，我感觉很幸福。还有期待将来在海边有一个面向大海的房子，我想写一些童话故事。

（采访/张纳   摄影/王坤   编辑/郭琳娜   化妆造型/梅林   服装编辑/衣然）

                                                              化妆造型师梅林和艾敬合影1 

                                                      化妆造型师梅林和艾敬合影2  

                                                                化妆造型师梅林和艾敬合3 

    终于在奥运会歌曲征集的最后一刻，我录制完成了这首歌《我的2008》，这首歌词在04年就曾经写好，可是一次不小心，把这首歌词的草稿随手扔进书桌旁的碎纸机里。当时也想，既然距离奥运会还有几年的时间，不如顺其自然，等待奥运临近的时候可能一些创作的想法和灵感也会不一样，也许，我根本就写不出这首歌了。

    这些年我的生活有很大的改变，05年我悄然搬去纽约居住，在那里的大部分时间里，画画和煮饭是我的生活主题，艺术给我带来另外一个空间，有平静也有挣扎。更多的是我学习到很多音乐以外的事物，使我感到这个世界大了很多，艺术的创作更自由，没有标准和界限，使我的能量得以更多地发挥。无论是音乐，艺术和生活以及情感都需要有坚定的信仰，需要不断地挑战自我，去战胜那些脆弱的部分，创造惊喜。我相信，那就是奥运精神！

    北京的春天使我总有一种激情在内心里涌动，我这次回来就是带着自己的心愿，一定要把《我的2008》做出来。这些年我能感受到西方对中国的关注和承认，《纽约时报》几乎每个星期都有关于中国的报道，中国的艺术品在西方的热度也在升温，这些都是因为中国的稳定和繁荣，以及开放的政策在吸引着全世界的瞩目。学习中文，去中国！已成为他们很时髦和向往的事情。作为长期在海外生活的中国人，深深为祖国的进步而感到骄傲，很渴望为祖国做点什么，尽一份力量。

    《我的2008》里面有大段的念白，描述了我出生的地方——艳粉街的变化。艳粉街的老百姓从四个现代化的梦想开始，迎来了今天的高楼大厦和2008奥运会，其间的变化印证了改革开放的成绩。本来我想把这首歌取名《我的2008和艳粉街的故事》，用意是想表达艳粉街父老乡亲对奥运的期盼和支持，可是后来觉得第一人称——“我”，已经很个体化了，最后还是决定让艳粉街融合在奥运的大主题里面。这首歌和我以往的FOLK ROCK民谣摇滚的风格有所不同，在民谣的音乐里可以有不同的色彩和棱角。而《我的2008》无所谓风格，无所谓气势滂沱，重要的是能表达我对奥运在北京召开这样一件历史性的盛事的喜悦心情，和对祖国的一份热爱。 

    《我的2008》也许永远也不能超越《我的1997》在人们心中的印象，但是这么多年来我一直在创作，我从来没有害怕过去的成绩而却步，坚定信念，付出辛苦也得到快乐，这也是我对奥运精神的感悟。

    2008年8月8日和1997年7月1日一样会被载入史册，人们会记住这个日子，我能在这两件重要的历史时刻，用音乐的方式来记录个人的感受，我感到很开心和骄傲。

    谨以此歌献给我的父母，我的两个妹妹艾红，艾丹，我的爱人ALEX，以及那些为奥运出力的所有的人们，和那些运动健儿！

艾敬2008年3月于北京

【歌词】

我的2008
词/曲  艾敬

乘着一阵风 带着我的梦想
接近我的目标 去努力得到它
带上你的祝福 天亮就要出发
不管风雨路途 去挑战自己的能量

我的2008 披上战衣和彩霞
迎来掌声和鲜花 全世界为我欢呼吧
我的2008 穿越高山和海峡
站在世界最高峰 去证明中国的强盛 伟大

一起欢呼
一起跳舞
紧紧拥抱
幸福和你分享 （友谊地久天长）

念白：
我的童年家住在艳粉街那里发生的故事很多很多
我们几代人的梦想都已经实现了 四个现代化和高楼大厦
我们进入了一个崭新的世纪 一个新的变化
我们迎来了奥运2008  同一个世界  同一个梦
一起去北京2008  2008

【制作人员】

 《我的2008》
词/曲/演唱：艾敬 Music & Lyrics by  Ai Jing
制作人：艾敬 Produced  by  Ai Jing
编曲：格非（牛奶@咖啡）Arrangement： Ge Fei（Milk@coffee）
录音/合成：李军  Recording & Mixing ：Li Jun
录音助理：刘天鸿  Recording  Assistant ：Liu Tian Hong
录音棚：北京乐坊录音室 Recorded at Yue Fang Studio Bei Jing
*特别鸣谢/Special Thanks：沈黎晖
（录制完成于2008年3月）

• 《预感》展览现场图片

2007年一月艾敬拍摄于纽约MOMA美术馆

作品名称

LOVE NO.1  120x120cm  LOVE NO.2  120x120 cm  材料：丙烯 2007年

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• 成都晚报艾敬专访
• TOM网艾敬新闻 

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ALL ABOUT LOVE

                                                       --《预感》联展艾敬作品自我阐述

   我在1999年认识张晓刚，那时他刚来北京。他看到我在东京录音棚里胡乱勾画的我的第三章专辑《追月》的封面设计草图，他对我说：你可以画画，我教你。在北京城的东北角儿一个“长满鲜花的地方”，在师傅张晓刚的临时画室里我开始学习绘画。那是我人生的一个特殊的时期，当时我切断了我周围的所有和音乐有关的关系，我像海底的一粒沙，宁静而细致。我在画画中玩耍，我在师傅的画室里播放音乐。我画骷髅。我给骷髅起名字叫做：MR BONE。师傅问我为什么画骷髅，冷冰冰的，没有生命。我说，它是“爱”，如果心中没有爱，它就是一副骷髅。那时候师傅周围徒弟辈分的我的师哥们——马六明和陈文波都笑我，你过分地夸大了“爱”。

    从2000年到2001年与师傅学习绘画的时间里，我开始潜心创作我的新专辑，我在内心里寻找自己的创作主题。2002年我在东京的涩谷，纽约的时代广场，香港的尖沙嘴码头，在北京长城拍摄了一个短片，在这几个城市我邀请到为我拍摄这组短片的人员全部是做电影导演或者电视导演的专业人员。在这个短片里，我邀请路人对着镜头说同样一句话：“I LOVE PANDA。”这个关于PANDA的短片是为了配合我的第五张个人创作专辑里面一个热爱环境关注生态的环保主题，为此，我创作了一个卡通故事，在专辑里我朗诵这个故事，我请著名音乐家三宝为我创作了长达20多分钟的背景音乐，我自己当时没有意识到自己在流行音乐的创作上和表现手法上已经开始跨界。

    早在1998年我创作了《MADE IN CHINA》的词曲，没想到这首歌给了我人生的改变和转折。1998年4月在美国洛杉矶，我制作完成了《MADE IN CHINA》整张音乐专辑。《MADE IN CHINA》是我对祖国的一份赤诚热爱，是我在外面的世界更客观地看待自己的祖国，是我在旅途中自我完成的爱国教育，我看到了自己身后的民族文化土壤给我的自信和勇气，在中西方文化比较下，使我能够发挥出独特和与众不同的地方。然而，在1998年末，在我的《MADE IN CHINA》出版前几天，这张专辑没能顺利出版。《MADEINCHINA》被有关部门的审查批准文件上批示：《MADE IN CHINA》词意晦涩难懂，用“中国制造”作为歌名有损中华民族尊严。当时，我没有借此炒作或者诉愿，我切断了所有我身边和音乐有关的关系，我甘愿做海里的一粒沙，我用行动来理解和接受现实里存在的误读和不理解。我想，那是我对祖国的“爱”。那是我命运的一部分，爱，是要付出代价。

    多年之后，我发觉自己一直在用“爱”这个主题在创作。

    绘画和音乐是两个不同的媒介，彼此又有很深的联系。目前，音乐已经不能完成我的表达，绘画给我带来自由。严格意义上讲，我的绘画语言是强调观念和视觉。我用自己的语言，用诚实大胆和想象力。我还用音乐去绘画，希望每幅作品都能传达出不同的情绪。

    我没有想要成为艺术家，我只是一直在过着艺术家的生活。我认为一个人的生活方式比做艺术还重要，我认为自己的生活方式比艺术本身更有意思，我的旅行，我做音乐以及绘画，是一个理想的实践过程，其中的困难和快乐自己品尝。我在两个长期居住的城市间往返——北京和纽约，我和它们之间的距离，在不同文化的交错中，我的作品相对清醒和独立。

    2005年，我定居在纽约，在那里建立了我的画室。我画LOVE，用有序地排列和机械化地堆砌把LOVE字填满整个画面，我用很强烈和纯粹的色彩，用金色或者银色，用黑色或者白色，也有灰色。我还用鲜亮的粉色，那种粉色令人眩目刺眼，很不正常的粉色。那些都是LOVE的语言 。这里会因为颜色和质感的不同带来变化，我想要去影响别人的视觉，强迫你去思考与这个字的关系和LOVE带给你感受。

    我希望这个爱的主题可以延伸下去，LOVE可大可小，可以简单，也可以很复杂。有正面，有负面。有毁灭的力量，也有创造伟大奇迹的动力。我曾经开玩笑地说；“爱情是生产力”。当然，我的作品——LOVE 不仅仅想表达男女之间的爱。这一点早已证明。

    我将用“爱”去创造“爱”，因为没有“爱”能够代替“爱”。 LOVE，是我连绵不断的灵感源泉。

艾敬  2007年11月14日星期三

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ALL ABOUT LOVE

by Ai Jing

I got to know Zhang Xiaogang in 1999, when he had just come to Beijing. After he saw the draft cover design for my third album “Chasing the Moon” that I carelessly scratched in my recording studio in Tokyo, he said to me: “You can learn painting, I will teach you.”  In “a place full of fresh flowers” at the northeastern corner of Beijing, I started to learn painting in the temporary studio of Master Zhang. It was a special period in my life. I secluded myself from all connections to music and remained quiet and meticulous like a grain of sand at the bottom of the sea. I amused myself painting, and played music in the studio. I painted a skeleton named “Mr. Bones.” My teacher asked why I had painted a skeleton, cold and lifeless. I replied that it was “love,” adding that if there was no love in its heart, than it was a skeleton. Ma Liuming, Chen Wenbo and other senior students of Master Zhang laughed at me, saying that I had exaggerated the meaning of the word “love.”

While I was learning painting from 2000 to 2001, I started to concentrate on the creation of my new album, searching my heart for new themes of creation. In 2002, I made a short film in Shibuya in Tokyo, Times Square in New York, Tsimshatsui in Hong Kong, and the Great Wall in Beijing. All the crew members I invited to shoot the footage in these cities were professional film or TV directors. In the short film, I invited passersby to say the same sentence: “I love pandas.” The short film on pandas was made to accompany the theme of environmental protection and ecological preservation that was in my fifth album. To that end, I created a cartoon, and recorded the story in my album. I invited San Bao, the famous musician, to compose the background music of up to 20 minutes for the album. I didn’t realize at the time that I had begun to make breakthroughs in the creation and expression of pop music.

When I composed the music and lyrics of "Made in China" in 1998 I never expected that the song would change my life. I completed the album in Los Angeles in April. This song was an expression of my true love for my motherland, a way to objectively look at my motherland from the outside world, and a patriotic self-education completed during my journey. I found my confidence and courage arising from my national cultural background, which enabled me, through a comparison of Eastern and Western cultures, to develop my own unique and different style. Unfortunately, the album had still not been approved several days before the scheduled release date in late 1998. The relevant department commented on "Made in China": Both the music and lyrics of "Made in China" are too obscure, and it hurts the national dignity of the Chinese people to use "Made in China" as the name of the song. I didn’t make a fuss about the decision or try to protest it. I cut off all my relations with music, preferring to be a grain of sand at the bottom of the sea. I would understand and accept the misunderstanding and incomprehension with my action. I thought that it was my love for my motherland. It was just a part of my life; love has a price.

Many years later, I find that I have all along been using “love” as a theme to create.

Painting and music are two different media, but they're closely connected. Currently, music no longer satisfies my need to express myself, but painting gives me freedom. Strictly speaking, my painting language focuses on concepts and visual effects. I use my own language, my sincerity and bravery, as well as my imagination, to paint. I also use my music to paint, hoping that every painting can express a different emotion.

I never wanted to be an artist, but I have been leading an artist's life. I think that one's lifestyle is more important than artistic creation, and I believe that one's lifestyle is more interesting than art itself. My travels, musical creations and painting, are a steps taken in the realization of an ideal, in which I have savored both hardship and joy. I travel back and forth between the two places that I live--Beijing and New York. My work remains relatively clear and independent in the space and intersection between different cultures.

In 2005, I settled in New York and set up my studio there. I painted "Love" with the whole canvass covered with the word LOVE in mechanical rows. I used strong and pure colors, gold and silver, black and white, sometimes gray. I also used bright pink, which is glaring and abnormal. Those are all the language of love. Different colors and a sense of quality bring changes. I want to influence the visual perception of others, and force people them think about the relationship with the letters and the feeling love brings to you.

I hope this concept of love can be extended. Love can be big or small, simple or complicated. It can be positive or negative. It has a destructive power, or the power to create great wonder. I used to say in jest: “ Love is a productive force”. Of course, my work "Love" does not only express the kind of love between a man and a woman. This has been clear for quite some time.

I will use Love to create Love, for no Love can replace Love. Love is my eternal source of inspiration.

Wednesday, November 14,2007

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与爱何干？

艾里克·C·希纳

成功的艺术总是传递一种思想。艺术家通常被成为思想传递者，虽然并非总是如此，但他们大多通过视觉方式，讲述故事，传递思想。由于艺术作品供他人欣赏，每位观众都会将自己的经验和思维过程融入到他们所欣赏的艺术之中，因此对艺术家初衷—原意—的理解也就五花八门。所以，无论对于象征艺术还是抽象艺术，可谓是仁者见仁，智者见智。根据欣赏者经验所产生的故事可能与艺术家本意南辕北辙。然而，有些艺术家极其擅长设计他们的作品，让观众必须按照其规则进行。他们所提供的信息非常清晰，人们很难逃出艺术家所设定的概念陷阱。艾敬就是这样的艺术家，她所设定的陷阱，如果可以这么说的话，充满了所有人所熟悉的字眼：爱。

艾敬的作品真可以说是充满了爱，或由太多“爱”字组成的网格和线状世界。她的大幅画布上充满了爱，几乎没有其他任何解读的空间，因为整个画面上“爱”字一个挨一个，密密麻麻。有时，爱字酷似背景，如在《金色的爱1号》中，金色文字飘浮在如同染上光彩的田野之上，由于其金属质感和洋洋暖意，画布似乎在发光。相反，其他作品要么是黑底白字，要么是白底黑字。这里，爱的概念彰显无疑，易于理解。有时，艾敬也会将反过来，将“爱”字倒着写，从而使得原本清晰的感念变得晦涩难解。总之，爱并非总是唾手可得。

因此，艾敬所表达的信息也许并不象开始时所说的那么明显。她以精美的文笔抓住了观众的想象，并将他们固定在“爱”这一大概念上。这不仅能给观众一种亲切感和幸福感，还会在观众的头脑中引发一定程度的焦虑、兴奋、以及机会丧失或错过感。简而言之，“爱”是一个掺杂了各种情感的术语，同时它又是我们生活的一部分，无论我们是否真正“拥有”它。对艾敬来说，她要表达的信息非常简单：爱是生活中不可分割的一部分，是她希望向世界传递的一种甜美情感。然而，观众对这种真诚信息如何反应将取决于他们对爱的体验，无论一个人的自身经历对这种情感带来什么影响，但是，艾敬的绘画都真正流露出快乐与祝福。

艺术家自身经历很大程度上解释了她对爱的痴迷，更重要的是，为什么她要将爱的概念向世界传播。实际上，艾敬多年来一直从事着爱的传播，尽管形式不一。作为亚洲最受欢迎的民谣摇滚歌手之一，和一名才华横溢的演员，在过去的十几年中已为世人瞩目，这一切都归功于她发自内心的歌唱。她的歌充满了对故乡沈阳的思念，讲述了她爱的经历，以及她对让她周游世界的巡回演出生活的追忆。在她整个演唱和演艺生涯中，她总是从艺术中寻求神奇力量，来平静她活跃的生活。如今，通过第一次参加这样的群展，艾敬掀开了生活新篇章—艺术家将通过它阐述人类关系与情感。

形式上，艾敬的绘画融合了流行艺术和基思·哈林及其爱好者所推崇的精选街头涂鸦。在金银色画布上用金属颜料作画揭示出她对沃赫尔的痴迷，而直接在画布上采用黑白颜色作画说明她的画法深受雷蒙德·派迪伯恩或小野洋子概念广告牌作品的直接影响。她的作品几乎与菲里克斯·冈萨雷兹-托里斯作品同出一辙。在她爱的网格后面似乎有一种体制在发挥作用；重复使用“爱”的术语暗示了身体陷入爱的痛苦，不能自拔。正如冈萨雷兹-托里斯的作品一样，它与实体、总量以及时间流逝有着密切的关系。两位艺术家的作品都表现出对人类爱之精髓的探求，都渴望一个没有邪恶与伪善的世界。无论其灵感来源于哪里，艾敬为我们提供了大量如同她一再赞美的字眼一样复杂的作品。爱是一个广义的概念，也正因如此，她的作品为所有人所接受。

总之，对爱的理想化可能会推动艾敬在艺术道路上前行， 而事实可能会在观众与其作品交流中激发他们的想象力。一组由四幅金色画板组成的名为《love pig》的绘画再次拼出“爱”字，其中每个字母占一个画板。一头粉色会飞的猪占据了左上方的画板，与大写字母“L”共享画布空间，而在组画右下方的画板上，精子状白云飘浮在“E”上面。飞翔的猪与白云似乎暗示着爱的短暂，也象征着艺术家顽皮的天性和欢快的心境。她的作品透着一种迷人的魅力，这归功于这头会飞的猪。这可能暗示着艺术家自身对爱的探求，和徘徊于中国、香港、日本和美国之间的人生旅程。不仅她的歌唱生涯，而且她对艺术的爱始终伴随着她。对艾敬来说，爱是几乎是一种将我们联系在一起，值得庆贺的纽带，最重要的是，它是一种通道，通过它，艺术家将她的快乐信息传向世界。

Eric C. Shiner

纽约独立策展人、艺术史学家、评论家。耶鲁大学艺术历史系博士。在美国多本艺术杂志中发表艺术评论，现在纽约PACE大学教授亚洲艺术，策展了很多与亚洲艺术相关的展览。

What’s Love Got To Do With It?

Eric C. Shiner

Successful art always delivers a message.  Artists, in general, are perhaps best described as messengers who relay stories or ideas, most often, but certainly not always, in visual form.  Frequently, the artist’s original intent—the primary story—takes on countless other readings as the work of art is viewed by others, each of whom bring their own experiences and thought processes to the proverbial table.  Both figurative and abstract works of art are thus widely open to the interpretation of the viewer, and the stories that spin off from the experience of looking may very well be quite far away from the artist’s own.  However, some artists are exceptionally skilled at framing their work in such a way that the viewer must play by their rules—the information provided is so crisp and clear that one may find it difficult to escape the artist’s conceptual traps laid out before him or her.  Ai Jing is just such an artist, and her trap, if it can be called that, is baited with a most heavily-loaded term familiar to all of us:  Love.

Ai Jing’s work is perhaps best described as an overload of love, or as a gridded and linear universe populated by the actual word “love” in excess.  Her large canvasses are quite literally covered with row after row of the term, and there is nary a space for any other reading, as the words continue one after another across the entire picture plane.  At times, the letters mimic the painting’s ground, as in Golden Love No. 1 where gold letters float upon a field of similarly tainted brilliance—the canvas seems to glow thanks to its metallic nuances and warm message.  Conversely, other works feature white letters on black ground, or black letters on white; here, the concepts of love are laid bare and made easily accessible.  Ai Jing also reverses the term, spelling “love” backwards, at times, thus making an obvious concept more inaccessible.  Love, after all, is not always so easily obtained.

And to that end, Ai Jing’s message is perhaps not as obvious as it might first appear.  By bombarding the viewer with her exquisitely rendered text, she captures one’s imagination and keeps it locked under the over-arching concept of “love.”  This then might not only instill a sense of warmth and happiness in the viewer, for it might also provoke certain degrees of angst, agitation, loss or missed opportunities in the viewer’s mind.  To put it simply, “love” is a term that precipitates a variety of emotions, yet it is something that is always a part of us, whether we truly “possess” it or not.  For Ai Jing, her message is simple:  Love is a necessary part of life, and a sweet emotion that she wants to send out to the world.  How the viewer responds to this heart-felt message, however, depends on his or her own experiences in the department of love, yet no matter what one’s personal history might add to the equation, overall, Ai Jing’s paintings truly radiate with joy and benevolent wishes. 

The artist’s own history provides much explanation for her fascination with love, and more importantly, the dispersal of that concept to the world beyond.  In fact, Ai Jing has been sending out the message of love for years, albeit in a much different form.  As one of Asia’s most beloved folk and pop singers and a talented actress as well, she has been in the spotlight for well over a decade thanks to her straight-from-the-heart songs that feature reminiscences of her hometown of Shenyang, stories of her own experiences with love, and the memories of an itinerant life that took her to all corners of the globe and back.  Throughout her entire singing and acting career, Ai Jing has always turned to art for its magical power to calm her otherwise active life.  Now, with her first inclusion in this group exhibition, Ai Jing is embarking on another chapter of her life—that of an artist with something to say about human relationships and emotions.

Formally, Ai Jing’s paintings reference Pop Art and the culled-from-the-streets graffiti art of Keith Haring and his compatriots.  Her use of metallic paints in her gold and silver canvasses hints at a fascination with Warhol, whereas her more direct canvasses in black and white reference the in-your-face impact of Raymond Pettibone or the conceptual billboard work of Yoko Ono.  Her work may best be placed in the same family as that of Felix Gonzalez-Torres.  There seems to be a system at work behind her grids of love; the repetitive use of the term hints at the sheer accumulation of bodies enmeshed in the throes of love, much like Gonzalez-Torres’s work was directly linked to actual bodies, weights and the passage of time.  Both artists’ work grows out of a search for the pure essence of human love, and both seem to long for a world void of evil and hypocrisy.  Regardless of her sources of inspiration, Ai Jing presents a body of work that is as complex as the term that she glorifies again and again.  Love is a universal concept, and because of that, her work is accessible to one and all.

In conclusion, the idealization of love might fuel Ai Jing’s artistic processes, but its reality is what ignites the viewer’s imagination when interacting with her work.  A set of four golden canvasses titled Love Pig features the word “love” spelled out yet again, but here, each letter of that word is given its own canvas.   A pink flying pig inhabits the upper left canvas, sharing space with a large capital “L,” and a sperm-shaped cloud in white floats just above the “E” in the lower right canvas of the grouping.  The floating pig and cloud seem to hint at the ephemeral nature of love, just as they indicate the artist’s playful nature and bright spirit.  Yet, there is a charming quality to the work thanks to the presence of the flying pig, and this may be indicative of the artist’s own search for love and to her own journeys between China, Hong Kong, Japan and the United States where not only her singing career, but also her love of art, has carried her over the years.  For Ai Jing, love is a most celebratory link that bonds us all, and more importantly, a conduit through which she can send her delightful message around the world.

10月初，我从纽约回到北京，和父母在一起，天天过年。每天早晨，爸妈起床溜狗，他们在附近的的小店吃早点，然后买我的早餐面包，之后再买菜。下午开始张罗晚上吃什么，他们包饺子，炖排骨和豆角土豆，猪骨头炖白菜豆腐，大酱炒鸡蛋配小米粥。那种东北炖菜的香味是我童年的记忆，我和老爸一起去买了很多电影DVD回来，吃过晚饭后，我让老爸播放电影，我感觉自己天天在过年。不知不觉，一个月过去了。和家人在一起很幸福温暖，可是“幸福”不是生活里的常态，如果生活里没有压力和酸痛的感觉，你会无法体会自己的生存价值，这就是都市人的“苦命”的价值观，每个人还喜滋滋地问对方，忙吗？忙好哇！ 

我在自己的博客里留言说；“回来了，又想走”。我想念在纽约的画室，那里是我的土地，我渴望回到那里去劳作，那种体力的辛劳是一种惩罚和恩赐。然而，我换来很多批评和谩骂，有些网友误读了我，我深切地感受到“言语的暴力”给我带来的伤感，我热爱的这片土地和这里的有些人，盲目和无知，伴随着狭隘的民族情结，如果有错误的煽动，就会一触即发地被误导。

11月初的一天上午，我和老艾头儿；我老爸，我们一起去加油站加油和洗车，之后我让老爸陪我去看正在今日美术馆举办的；2007年首届今日文献展，策展人；黄笃。展览名为；能量：精神，身体和物质。我们花费每人10元钱门票，走进这个展览的大厅，我们看到几位艺术家的作品，岳敏君的《围城》，陈文波的《 未遂的写作 》，以及曾浩的作品，展厅里的另一件很震撼的作品是艺术家朱金石的巨型的“乒乓球拍”装置作品，球拍上有无数只灯泡闪亮点缀，在今日美术馆的高挑的大厅里，也只有这样的创意才能撑得起这样的空间。我们连续走了三层，每层都有很特别的艺术展品，本来我是让老爸陪我来看这些艺术作品，为我拍些纪念照片。可是，我意外地发现，老爸在这些艺术作品面前有着意想不到的效果，老爸自然的状态，在这样充满着新奇创意作品面前显得非常坦然。正所谓；“生活高于艺术，而艺术又来源于生活”。在一个有关环保的装置艺术前面，是一块被切割的草皮，上面随意丢弃的生活垃圾。我让老爸关注这块草皮，带着疑问的表情。在这些作品前面，老爸或者认真，或者按照我的要求而摆出一个姿势和角度，他的形体姿态都非常的自然诙谐，在他面前的那些艺术作品，无论是那些当代美术界的大师之作，或者年轻艺术家的标新立异，荒诞离奇，在老爸眼里仿佛都是平常事物。那些作品在老爸的面前，即便是记录现实生活里伤感和残酷的一面，也显得很有喜剧感，好像那些作品在和我们开玩笑。我们一边欣赏作品，我一边被老爸对作品的看法逗得哈哈大笑。

在一个雕塑作品“粉红色避孕套”的作品面前，老爸没有尴尬，他看着“避孕套”上有好多个小人儿在往上爬，老爸诙谐地说，哎呀，都是小子（男孩儿）。我被老爸的细心逗笑了，我们这些看惯了艺术作品的人，反而想的过多和复杂。在一个展厅里，有一个作品是让人们可以从艺术家拍摄的无数有关城市的空镜头图片中挑选你喜欢的图片可以带走，老爸很认真地挑选，口中还念念有词，他也知道我正在拍他看作品的样子，我让他不用理会我的镜头，老爸不仅能做到，而且老爸的出境相当的自然，“演技”以及肢体语言的协调性就像一个“影帝”。

走出今日美术馆，来到美术馆门外展出的另外一些雕塑品面前，老爸开心地点燃一支香烟，我让老爸对着岳敏君的雕塑作品做出同样的笑，老爸趋身向前，和那几件开怀大笑的作品一起笑。那种笑居然与作品相映成辉，好像是城市里的一个风景。老爸的笑不是装出来的，可见，老岳的作品里人物夸张的表情，是对于当今人物的内心捕捉，中国人能够笑到这个份上。

能量；精神，身体，和物质是组成我们生活的元素，缺少了任何一部分，我们的生活都会有不完整，不快乐。如果想要“天天过年”更是缺少不了这几个元素的组合。老艾头儿，六十多岁，在历经生活的风浪变换中，能和家人团聚在一起，天天过年，是一份福气，是孩子们的福气。艺术家和策展人，是否也想唤起对于生活质量的讨论？

我和老爸在回家的路上看到几辆运送水果的马车，赶车的农民和他们坐在车后的媳妇。那是一幅活生生作品，是能量，精神，身体和物质的再现。

                               艾敬 于北京2007年11月15日星期四